MOTS, COQUES ET BIGORNEAUX

Nus et blancs accordés

De cette exposition je retiendrai aujourd'hui les tableaux d'une mère et d'un fils à nouveau réunis : Suzanne Valadon et Maurice Utrilllo. Qu'il est émouvant de les retrouver unis avec le temps dans cette exposition. Et je repense au parcours de cette mère libre et talentueuse. Et je revois le visage de cette femme aux seins nus qu'elle a peinte en 1917. Assise, elle me regarde et je la regarde, longtemps. Elle est belle. Son regard est profond et mélancolique. Entre elle et moi :  des minutes de silence. Une grande sérénité et une incroyable force. Quand on connaît la vie agitée de Suzanne Valadon, on mesure encore plus la quiétude qui se dégage de cette toile. Elle, qui dut sans cesse se battre pour exister et faire exister sa peinture, elle qui dut faire face aux crises de violence de son fils alcoolique, on mesure combien cette oeuvre peinte en 1925 signe une période d'accalmie relative après les internements répétés de son fils en hôpital psychiatrique. "Je ne suis pas fou mais alcoolique" disait Maurice Utrillo dans une lettre qu'il adressait à André Derain. Oui, de cure de désintoxication en cure de désintoxication, il traînait son mal de vivre pour mieux plonger dans la douceur de ses blancs, mélanges de jaune d'oeuf, de silice, de mousse et de plâtre ou de ciment qu'il offraient aux rues et au ciel de Montmartre. Deux vies imbriquées fortement, passionnément. Maurice qui s'initia à la peinture sous le regard et les encouragements de sa mère. Suzanne, la mère, qui, si elle ne s'est pas occupée ou n'a pu s'occuper de son enfant en bas-âge, a tout fait pour l'aider quand, jeune homme, il sombrait déjà dans le désespoir. Mère on ne peut plus aimante quand elle écrit à propos de son fils qui tenta de la tuer : "Il se peut qu'il soit malade, mais il n'a jamais été dangereux, ni pour lui-même, ni pour autrui, c'est pourquoi je viens vous prier instamment de me rendre mon enfant sur lequel je veillerai moi-même". En relisant ces mots, je pense à la mère de Camille Claudel qui ne parvint jamais à tendre la main à sa fille qui fut internée" alors qu'elle ne présentait aucun danger ni pour elle-même, ni pour la société", car " elle ne commit jamais d'actes violents et ne tenta jamais de se suicider, actions qui auraient justifié la séquestration". Enfermée durant trente ans dans un hôpital psychiatrique, elle se sentit profondément abandonnée. Elle l' écrit d'ailleurs dans une lettre à son frère Paul : "Les maison de fous, ce sont des maisons exprès pour souffrir... Je suis tellement désolée de continuer à vivre ainsi que je ne suis plus une créature humaine...Dieu que je voudrais être à Villeneuve". Mais sa maison, elle ne l'a revue jamais, tout comme elle ne revit jamais sa mère. Abandonnée. Suzanne fit, contrairement à la mère de Camille tout ce qu'elle put pour aider son fils à survivre et à vivre. En cela je la trouve admirable. Tout comme je trouve follemement admirable cette manière qu'elle avait de transgresser les codes imposées par la société. Esprit libre et non conventionnel dont les nombreux tableaux de femmes nues nous rappellent que femme elle l'était pleinement et le renvendiquait ouvertement. Tableaux de Suzanne Valadon et de Maurice Utrillo à découvrir ou à  redécouvrir dans le cadre de l'exposition Modigliani, Soutine et l'aventure de Montparnasse à la Pinacothèque. Jusqu'au 9 septembre 2012. Extraits de Camille Claudel d'Odile Ayral-Clause. Ed Hazan.

 

 

De l'usage des jours

Le premier jour, il dessina une tasse de thé, d'une simplicité désarmante, touchante. Le second, une lampe culbuto qui aurait pu ressembler à la tasse, en plus grand, mais n'était pas la tasse. Le troisième jour, un vase entonnoir s'étonna d'être formé...Et il en fut ainsi durant 365 jours. Chaque jour fut jour de création, de mise au monde. Bien plus qu'un exercice de style, une ascèse. Au fil des saisons, Guillaume Bardet se donnait rendez-vous avec lui-même pour dessiner un objet en céramique, un objet qui prendrait corps et vie sous les doigts d'un potier qui accepterait de se lancer avec lui dans l'aventure. Ils furent plusieurs céramistes à accepter de relever ce défi. Autant de personnalités différentes qui furent pousser à dépasser les limites du raisonnable sous l'impulsion de Guillaume Bardet, à oser faire ce qu'ils n'auraient certainement pas tenter eux-mêmes. Le résultat est un parcours initiatique dans les méandres de la pensée de ceux et de celles qui créent, qui prend acte du temps et des saisons qui passent. Si la terre modelée a bien une mémoire, elle scelle avec le temps une merveilleuse union, celle des gestes accomplis lors de la conception et de la réalisation des objets en faïence, porcelaine, grès... Un projet collectif fondé sur la confiance en l'autre, en sa capacité à produire du tangible mais aussi cette part d'intangible que nous laissent entrevoir et voir les courbes et les couleurs. Chaque jour est donc rassemblé devant nous dans un objet qui nous touche, nous indiffère ou nous émeut. Et on avance dans l'année guidé par l'émerveillement de ce qui est et sera. On traverse certains jours avec une lenteur souveraine, on se prend à accélérer certaines semaines printanières, pris dans un étourdissement de couleurs après les gris de l'hiver. On aime les splendides pliures origamiques qui déploient leur blanc éclatant. J'ai avancé dans le temps avec un bonheur non feint, je me suis prise à retourner dans le temps pour poser une nouvelle fois mon regard Les plats paysages qui m'offraient la langueur de leur courbes. Il neigeait beaucoup de douceur durant ces journées d'hiver. Je me suis surprise à me resservir un thé en remontant le fil de l'automne. L'éclat cerclé d'un orange émaillé  me porte à aimer cet automne là, tout comme ces petites pattes qui court et court sous la tasse... Tout ici, les lignes, les formes et les couleurs deviennent un merveilleux journal à ciel ouvert où la vie sourd et s'émerveille. C'est un miroir de terre qui se tourne vers le ciel, un vase asymétrique bicolore dont le bleu nous éclabousse les yeux, un habitat  végétal qui nous convient à désirer l’hiver, à entrer dans le printemps et nous plonger dans l'été...Toutes les pièces exposées nous ouvrent tant et tant de possibles que notre imagination se plait à imaginer pour chacune d'elle une histoire même si chaque pièce a déjà la sienne, celle qui a précédé le dessin de Guillaume Bardet, et celle que le céramiste lui a donnée. Il en est ainsi de la mémoire. Elle s'étonne chaque jour de s'enrichir des fragments de vies. Aussi, cette exposition est-elle bien plus qu’une simple aventure artistique, elle est une aventure humaine d’exception que je vous invite à découvrir pour continuer de la faire vivre. BG L'usage des jours / 365 objets en céramique / Guillaume Barder Designer / Cité de la céramque - Musée de Sèvres. Jusqu'au 2 avril 2012 et le très beau livre L'usage des jours Guillaume Bardet publié chez Bernard Chauveau Editeur que je rêve de posséder. Photo carafe mardi 29 septembre 2010 à découvrir sur le site de Guillaume Bardet 

 

Un anticonformisme poétique

C'est un jardin enchanté qui semble déconnecté du réel, juste posé dans un champ. Pour y entrer, il faut une clé. La clé est le seul moyen de pénétrer dans ce lieu extravagant et sans âge qui nous ferait presque croire à un mirage si on ne savait que l'on se trouve bien en banlieue, au bout du bout d'un village, et d'une ruelle qui se sont enrichis il y a une quarantaine d'années d' une oeuvre monumentale issus du cycle de l'Hourloupe : La Closerie Falbala de Jean Dubuffet. Oui, elle est là, bien là. Il nous tarde d'y entrer. On l'avait à peine devinée. Ca y est, on y est ! Nous voilà happés par les formes organiques de ce jardin et déambulons dans ses traits. Jardin de béton blanc dévolu aux tracés noirs qui se meuvent autant que nous nous mouvons, désireux d'en saisir le sens. Pure poésie d'un jardin qui ne semble qu'en avoir le nom mais dans lequel nous nous promenons sans autre source de plaisir que de tourner autour de son axe central dévolu à une étrange villa qui elle aussi,  n'en a que le nom : la Villa Falbala. Comme Ali baba et les quarante voleurs, nous, le trio, comme deux et un font trois, entrons à l'intérieur de cet antre bien singulier. Nous en aimons immédiatement les méandres et le silence. Oui, ce silence qui nous parle et nous invite à en saisir le sens avant même que nous entrions dans le Cabinet Logogique. Une pièce qui a tout d'un sanctuaire, une oeuvre d'art à part entière dans laquelle le plein et le vide se côtoient dans une belle évidence.  Le plein, ce sont les murs recouverts de panneaux sculptés et recouverts de grafittis rouges, bleus et noirs qui assaillent notre regard, laissent divaguer notre imagination, " nous font entrer dans les images et les habiter". Le vide, c'est ce nous renvoie cette surexposition qui nécessite le silence si on veut en saisir les contours. C'est alors que je pense à la chapelle de Houston, une chapelle aveugle dans laquelle les gigantesques tableaux de Mark Rothko m'invitèrent il y a quelques années à la méditation et au recueillement. Le même silence y circulait mais un silence beaucoup plus profond. Ici, Jean Dubuffet parlait de "chambre d'exercices philosophiques, d'un espace totalement privé isolé des mondanités pour méditer", mais là-bas "l'abstrait nous conduisait aux portes du divin". La différence tient en ce divin dont je me souviens. Fondation Jean Dubuffet 94250 Périgny-sur-Yerres Samedi et dimanche sur rendez-vous. Un bel enchantement vous attend. 

La beauté du tragique

 

D'emblée on est saisi. On les voit. Jaunes et majesteuses. Elle s'imposent avec une force inouie. J'en suis d'ailleurs restée toute éblouie. Puis, j'ai gardé la distance pour les regarder, les admirer, de loin, prendre le temps de les approcher, de me familiariser avec l'horreur. L'effet est saisissant. Ces têtes hiératiques blessées, tailladées à vif nous livrent dans une dignité absolue leur souffrance, en silence. Ce silence, on l'entend. Il fait écho au ciel assourdissant qui fit taire la ville de Dresde... On s'en approche et on sent monter la douleur. Elle se lit sur ces visages figés, sur ce bois qui a volé en éclats, visages blessés pour dire une humanité défigurée, ici transfigurée par la seule beauté de ces sculptures. Arrêt sur image : je reste silencieuce devant ces énormes pièces de bois taillées directement à la hache qui disent l'horreur de la guerre et prorogent le souvenir de ce qu'elle fut. Elles me font penser aux Moais, ces imposantes statues de l'île de Pâques qui continuent de nous interpeller, le regard tourné vers le ciel. Les femmes de Dresde ont, en effet, quelque chose de primitif qui leur ressemble. Mais à la différences de ces statues de basalte, leurs visages cabossés, leurs regards vidés nous ramènent à notre propre civilisation et à une histoire récente qui n'en finit pas de nous tourmenter. De la violence de la taille sont nées des sculptures d'une grande force et d'une incroyable sérénité. Baselitz au Musée D'art Moderne de la Ville de Paris jusqu'au 29 janvier 2012.

Faire le plein de lumière

 

Elle porte en elle force et fragilité. Une humanité qui se passe de mots. La lumière de ses toiles vous happe et on ne peut en sortir. On y entre, et c'est éblouissement. J'aime les grands formats exposés, particulièrement ceux de son Liban natal. Tant de lumière née dans ce pays malmené est un beau pied de nez à nos sociétés choyées. Fatima El-Hajj est douceur même, une douceur ombrée d'inquiétude. Son regard est humble, sa grâce mêlée à une tristesse intérieure que vient effacer le jaillissement des couleurs de ses toiles dans lesquelles on se plaît à se perdre. Voyage intérieur qui prend source dans tout ce qui luit, bruit et l'entoure, au plus près de son quotidien. Et ce n'est pas par hasard si Claude Lemand qui expose ses toiles a intitulé l'expositon Les jardins de l'âme.De ses tableaux jaillit un mouvement intérieur qui donne à la nature, au vivant, tout son éblouissement. Impressionniste sans aucun doute mais essentiellement coloriste du coeur.  Car c'est du coeur et de l'âme que naissent sous son pinceau des toiles nées de son regard aimant porté sur ce qui l'entoure. Des toiles qui, sous l'apparente quiétude, expriment deçà et delà d'un trop plein de matière ou d'un coup de pinceau affirmé, une belle rage de vivre, d'aimer, de dire pour éviter de trop souffrir.

Galerie Claude Lemand jusqu'au 8 octobre 16 rue Littré 75006 Paris du Mercredi au Samedi de 15hà 19h.

 

 

Etre(s) en marge

Saisissantes. Eblouissantes. Oui, les photos de Jane Evelyn Atwood sont tout cela à la fois mais la décence inviterait presque à ne rien dire, juste à regarder, saisir, retenir parce qu'il est nécessaire de voir pour comprendre ou désapprendre ce que l'on avait cru comprendre. Oui apprendre l'inqualifiable. Impossible d'y échapper les photos le disent sans outrance, sans vulgarité. Tous ces hommes et femmes photographiés s'affichent tels qu'ils sont dans leur humanité, leur fragilité, leur souffrance et nous renvoient à notre propre finitude, à nos propres faiblesses et solitudes. On se sent proche de ces êtres en marge, reconnus comme êtres à part entière par l'objectif de Jane Evelyn Atwood. Prison, prostitution, sida, mines anti-personnel ...l'intolérable nous est livrer sans brutalité mais dans sa plus stricte réalité. Rien n'est édulcoré, rien n'est indécent. Toutes ces photos exposées sont un concentré d'humanité, de vie, de bribes de vie qui tentent de se frayer un chemin dans des destins malmenés. Il faut, en effet, beaucoup d'amour pour réussir à saisir ces regards  suspendus entre le désespoir et l'espoir, entre la dureté du monde et quelques minutes fécondes où embrasser, prier, marcher, se toucher redonnent sens à la vie. J'aurais pu sortir de cette exposition, "sonnée", effrayée par ce trop-plein de vérité. Mais il n'en a rien été. Cette vérité est une vérité habitée aussi, en suis-je sortie éblouie par la beauté des clichés. Et pourtant, ce n'est pas à une quête d'esthétisme que Jane Evelyn Atwood s'est livrée mais bien plus à une quête de l'Autre dans laquelle nous sommes invités à nous relier à notre tour. Justement par amour.

Jane Evelyn Atwood à la Maison Européenne de la Photographie jusqu'au 25 septembre 2011 et pour ceux qui n'ont pas la chance de pouvoir s'y rendre il vous suffit juste de cliquer.

 

 

Lumière, merveilleuse lumière

  

"Ne s’arrêter que lorsque la couleur et la lumière coïncident. La couleur je n’y échapperai pas, c’est une fatalité, c’est ma nature…" disait Shafic Abboud. Et c’est bien qu’il en soit ainsi, car la découverte de ses tableaux se fait naturellement par la lumière qui émane de ses toiles, ni complètement abstraites ni complètement figuratives, qui se donnent à nous autant que nous nous donnons à elles. Une lumière née certainement de sa terre natale le Liban où entre une grand-mère conteuse et un grand-père paysan  et poète il a grandi. Regarder ses toiles c'est faire acte de poésie, de « présence pure » dirait Christian Bobin, c’est pénétrer à l’intérieur de l’histoire de Shafic Abboud mais aussi de la nôtre, confondues avec la  même grâce.   J’aime ses toiles qui racontent sans raconter, qui nous font entrer dans sa vie non, par effraction, mais avec  émotion et douceur, et je dirais même avec pudeur.  J’aime cette manière d’aborder les sujets, de les inscrire dans le temps, de faire jaillir la lumière partout où nos yeux se posent, en France ou au Liban, dans son atelier, dans une chambre, par la fenêtre, dans les parcs. Parce qu’il y  a « l’amour en noir fleuri », la guerre, « les cafés engloutis », la mort, les saisons qui passent, « la mer qui raconte », « la robe de Lyot »… tous ses bonheurs, ses tourments, qu’il rassemble, dispose sous son pinceau, tout ce puzzle de vie décomposée, recomposée. Nul besoin de le rattacher à une école même s’il fût affilié à l’Ecole de Paris, et eut plus que de fortes affinité avec l’abstraction lyrique. Je préfère ne le rattacher qu’à l’école de sa vie, de sa culture franco-libannaise, de son incroyable capacité à nous faire entrer dans la toile, de nous en faire  repartir, puis de nous y faire revenir pour  reconstruire son histoire, notre histoire.  Claude Lemand lui avait fait avant sa mort une magnifique promesse : publier sa première monographie et organiser sa première rétrospective. C’est chose faite puisque en ce moment se tient à l’Institut du monde arable  l’exposition qui lui est consacrée. Qu'il en soit remercié. Avant d’y aller, je ne connaissais rien à l’œuvre de Shafic Abboud. Aujourd’hui riche de ma découverte, je viens la partager avec vous afin de vous inciter d’aller à la rencontre d’un grand peintre, le plus grand peintre libanais arabe et parisien de la seconde moitié du XXème siècle.  Retrospective jusqu'au 28 août à l'Institut du Monde Arabe. Pour ceux  qui ne peuvent s'y rendre cet été,   un site lui est consacré. Catalogue de l'exposition et monographie préparés et publiés par Claude Lemand à se procurer à la librairie de l'IMA. Présenté ci-dessus : Nu de Shafic Abboud 1984.

Une palette libérée à aimer

Dès la première salle, il s'est imposé à moi. Il, l'homme. Il, le tableau. Devant cette toile j'ai toute de suite pressenti que tout ce que je pourrais voir ensuite de beau dans les salles suivantes ne parviendrait, a priori pas, à  égaler ce très bel auto-portrait de jeunesse (1895) aux teintes bleutées. Je l'ai regardé comme magnétisée, silencieuse et heureuse de sentir la lumière entrer par la fenêtre devant laquelle se tient Kees Van Dongen. Derrière lui, les verticales  disent les mâts de sa ville natale Rotterdam mais c'est bien plus qu'un simple auto-portrait et qu'une ville esquissée que je vois. C'est une forme imposante et lumineuse. Réussir à 18 ans à transmettre une telle puissance tranquille à un auto-portrait signe une entrée fracassante dans le monde artistique. Sa palette n'est pas encore totalement libérée, explosive mais on sent sourdre une force rebelle, une liberté de ton dont il n'allait jamais se départir durant toute sa carrière d'artiste. Car des grands écarts il a su en faire à merveille entre sa vie de bohême et celle de mondain, une vie qu'à plus de 84 ans il aurait aimé revivre s'il devait la recommencer, surtout la première partie, celle difficile durant laquelle il a appris à vivre : " Je recommencerais volontiers mais peut-être encore en plus difficile. J'ai aimé la lutte, la lutte pour quelque chose, pour un idéal". Cela se voit, cela se sent dans ses toiles d'avant la période dite "cocktail". Je les trouve plus éclatantes, plus libérées, proches de l'expressionnisme allemand, ce courant de peinture que j'aime tant. Kees Van Dongen est un Grand Monsieur, mort en 1968 comme pour renouer avec sa fibre anarchiste de ses années d'avant-guerre. En héritage, il nous laisse une oeuvre magnifique  et un esprit ouvert sur un futur en marche. Interviewé par Christian Megret, il nous enseigne qu'il est bon de regarder vers l'avenir : " Les souvenirs ne servent à rien. La reconstitution ( d'une époque) ce n'est jamais bon, ce n'est pas la vérité. Il faut aller de l'avant". Quelle formidable énergie !
Van Dongen Fauve, anarchiste et mondain, jusqu'au 17 juillet 2011

 

Dans l'intimité d'une exposition

 

Toucher, comme j'aurais aimé toucher les scuptures d'Henry Moore. Mais je ne le pouvais pas. Il n'avait pas été décidé de faire ainsi. Dommage, cela eut contribué à me relier à elles. Ces surfaces rondes et lisses sont des appels pressants à suivre leurs courbes, à nous promener sur les corps pour en prendre pleinement possession, les ressentir. La Fondation Jean Arp, elle, autorisait il y a quelques années à poser une main gantée sur les sculptures. Je devrais y retourner. Le lieu le mérite. Mais revenons à Henry Moore. Aviva Einhorn, rencontrée dans le cadre de l'exposition me le disait : Henry Moore l'aurait souhaité. Lors d'une précédente exposition, elle l'avait entendu dire à un enfant "touch, touch". Touch, oui "j'y touch'erais" bien mais ce sera une autre fois. Et pourquoi pas quand je me rendrai à Perry Green dans le Hertfordshire, quand j'irai prendre un thé parmi les moutons à l'ombre de la monumentale sculpture Sheep piece ? Pour le moment nul mouton mais une exposition sur l'atelier du sculpteur et ses dessins. Une approche forcément plus intime. A peine entrée : émotion forte à la vue des dessins d'abris réalisés durant la seconde guerre mondiale.  Des corps entassés, à même le sol. On se croirait dans des camps et pourtant je ne vois pas de châlits. Mais tout est dit.  Ces dessins m'appellent, m'interpellent et me rappellent des tableaux de Zoran Music. A les regarder, on ne peut qu'en sortir ébranlés. Nous sommes à Londres dans le métro. Henry Moore décline cette guerre avec ses crayons pour la suspendre et témoigner toute son atrocité. Puis, quitté le couloir de l'horreur,  émotion douce à la vue de ces femmes qui offrent leur corps à la vie, à la lumière, à la patine. Quand on sait que ces sculptures ont été réalisées suite à la perte de sa mère et à la naissance de sa fille, on mesure le grand hommage qui leur est ici rendu... Une exposition visitée avec pudeur et bonheur. Un moment d'intimité avec ce grand sculpteur qui nous offre une vision de ses travaux préparatoires et de sa formidable énergie créatrice jusqu'au bout de sa vie. Et parce que au-delà de cette rencontre avec Henry Moore, c'est une autre belle rencontre que j'ai faite avec Aviva Einhorn, je tiens à vous faire écouter un extrait de son album L'apothéose de la danse au XVIIIème siècle de Jean-Philippe Rameau. Son sourire lumineux est à l'image de sa direction d'orchestre: enthousiaste et généreuse. Actuellement au Musée Rodin.

Merveilleuse lumière

"A la source de la vie il y a la lumière et le mouvement" disait Munch. De la lumière, oui certainement, une lumière magnifique qui s'impose dans toutes ses toiles, même les plus oppressantes. Une lumière bien vivante : celle du Clair de lune qui éclaire le visage blafard d'une femme qui entre en résonance avec la blancheur d'une barrière et d'une fenêtre; celle d'un amour dévorant qui s'exprime magnifiquement dans Le Vampire, dans les paysages d'hiver, dans L'autoportrait en enfer...Du mouvement dans les courbes et dans les gestes qui relient à la vie, à la mort, aux pleurs...dans cette manière d'exprimer le réel sans pathos, sans obscénité mais avec crudité.
Il y a aussi les éblouissants brouillards, ciels, et paysages marins peints par le dramaturge August Strindberg dans lesquels j'aime me perdre régulièrement. Des tableaux que je n'ai encore jamais vus exposés mais qui s'exposent régulièrement à ma vue dans un très beau livre acheté au Musée d'Art Moderne.
Il y encore la lumière qui irradie le Saint-Jérôme de Jusepe de Ribera. Un magnifique clair-obscur qui emplit la toile et nous invite à méditer, ou à être juste là - et c'est déjà beaucoup - à regarder et sentir l'intensité d'un regard . Cela doit s'appeler la grâce, oui, certainement c'est cela, je crois.
Il y a encore celle, éblouissante de Joaquim Sorolla : de la lumière du bord de mer qui m'éclabousse de rires et d'embruns et me ramène à ma propre enfance. Les enfants s'ébrouent, nagent et jouent. Je les vois, je les entends, "je suis" les enfants. Scènes de la vie ordinaires, si précieuses, qu'elles en deviennent extraordinaires.
Des deux expositions que je viens de voir, de mes échappées livresques, je retiens donc cette lumière: charnelle, spirituelle, émotionnelle. Qu'elle soit nordique ou méditerranéenne, elle irradie.
Si vous n'êtes pas encore allés à la Pinacothèque ou au Musée Jacquemard André, laissez-vous  inonder de lumière par Munch, Goya, Hermen Anglada Camasara ...et si, comme moi, vous ne vous lassez pas des nuages et des étendues d'eaux, August Strindberg vous offrira la mémoire de ciels chargés et lumineux, de l'océan, dans toute son intensité.

Poésie du geste

J'aime les voir, les sentir, les entendre rugir, frémir, vibrer, se poser, s'envoler, caresser l'espace, prendre toute la place avec la distance qui leur sied. Je voulais déjà vous en parler et puis le temps est passé, et puis on a déjà tellement dit sur eux, sur leur place dans le paysage chorégraphique, sur leur âme habitée, sur ce silence venu de l'intérieur, sur cette façon qu'ils ont de se donner, de se délivrer. Deux corps habités par le geste, deux corps si différents et  proches à la fois dans leur manière de donner, de rechercher ce qu'ils sont, ce qui les fait. S'il est une danse cathartique, c'est bien la leur. Elle se passe de mots. Elle est ce qu'elle est, en totalité, en vérité avec elle-même. 

Aussi, je n'ai pu résister à vous offrir quelques extraits vidéo d'Israël Galvan, ce grand danseur de flamenco iconoclaste parmi les iconoclastes que je regarderais des heures et des heures jusqu'à pas d'heure. Car le voir c'est vivre une expérience poétique unique, c'est se laisser porter par l'élégance, le brutal, l'expérimental comme fièvre mystique et animal. Allez le voir danser, il n'y a qu'à cliquer ici pour le se laisser enchanter.

Et puis, dans un tout autre registre, il y a la grande Pina Bausch qui m'émeut, me bouscule et m'interroge, m'invite à un corps à corps avec mon âme. La regarder ou regarder ses chorégraphies c'est accepter de se laisser foudroyer par la vie dans ce qu'elle a de plus violent et de plus âpre, c'est une descente à l'intérieur de nous-mêmes pour mieux nous délivrer. Regardez. 

Il est des gestes qui savent mieux que les mots nous parler et nous pénétrer. Je leur tire ma révérence et fais silence.

Référence du site d'Israel Galvan : http://www.israelgalvan.com/

Des noirs et des blancs

Ce n’est pas noir, ce n’est pas blanc. Ce n’est d’ailleurs ni noir, ni blanc. Ce sont des noirs et des blancs, des nuances de blancs et de gris à l’infini. Des blancs ouatés, perlés, outranciés, noyés, sublimés, sur-exposés, des gris perdus, vaincus, ténus, soutenus…de ces couleurs qui vous pénètrent sans vous noyer, vous laissent émerveillé. Du Ruban Blanc de Michael Haneke, je retiens un cadrage d’une beauté ahurissante, je le vois encore, je le sens. Un noir et blanc sublime, une plongée dans le vivant d’un intérieur aussi exigu que cette vie qui s’est soudain tue. Des pieds qui dépassent et le temps qui trépasse. Des lignes horizontales et verticales à la croisée d’un destin sans lendemain. Rigueur d’un plan d’une exceptionnelle densité quand l’homme approche, s’approche et se rapproche, pour accueillir et se recueillir. A la violence du silence répondent d’inoubliables noirs et blancs. D’une esthétique rare, qui mieux qu’eux pouvaient accompagner le rigorisme mortifère d’une communauté et la merveilleuse humanité de deux êtres lumineux. Du noir et blanc pour regarder, écouter, hurler, pleurer, voir et apprendre, entendre et comprendre.  Rainer sait aussi cela depuis longtemps, lui qui arpente les rues de Vannes avec son Leica et me fait partager depuis quelques années la force de ces clichés. Allez regarder le fruit de ses déambulations sur http:/pagesperso-orange.fr/rainer.pawellek et http://gadzip721.blogspot.com. Rainer est un sacré bonhomme ! 

Vous pouvez lui commander et lui acheter via le net des tirages sur papier baryté. A l'approche des fêtes de fin d'année, c'est plus qu'une belle idée, c'est vraiment une super belle idée !!

Oh my lovely flowers !

C’est un bouquet de fleurs que l’on emporte avec soi en sortant du 38 avenue Matignon, enchanté d’avoir cueilli et recueilli beaucoup  de pétales d’humanité dans les visages exposés et filmés par Shirin Neshat à la Galerie Jérôme de Noirmont. Mais avant de pourvoir respirer les senteurs des lemon flowers ou des lovely cucumber flowers, il faut s’imprégner des visages et des corps. Sur d’immenses photos de près de deux mètres de haut, des hommes et des femmes posent. Ils posent devant nous, debout, devant de magnifiques peintures laotiennes ancestrales qui gagnent, de ce fait, en densité. Et l'on est pénétré par leurs regards pourtant distanciés qui disent la dureté de la vie, parlent de tristesse, de douleur muette. Leur silence devient vite le nôtre, et ce n’est qu’après avoir gravi les marches de l’escalier qui nous amène au premier étage que la parole est. Elle est fleur car ici les fleurs s’offrent dans une joute poétique entre ces hommes et ces femmes ridés du rez-de-chaussée. Shirin Neshrat les a filmés dans un face à face touchant et étonnant. Ils égrènent des mots d’où s’envolent des déclarations d'amour des plus osées. Et l'on se plaît à écouter ces chants appelés Lam qui viennent petit à petit bercer notre âme : - « Come, take me as your lover »- I’ve got black eyes and no one to sleep with » - « If you like to see the paradise come and follow me »- « I’d like to follow you and sleep with you ». Et si les « Oh my flower, oh my lemon flower » rivalisent avec « Oh my yasmine flower, my mango flower…» c’est pour exprimer le bonheur de se relier à l’autre en faisant fi de toute morale et toute religion. D’une poignante sobriété  Games of desire  devient le prolongement vidéo nécessaire des photos présentées. On en sort émerveillé.

Photographe et cinéaste iranienne en exil, Shirin Neshrat a reçu Lion d’argent à la Mostra de Venise.  Jusqu’au 21 novembre.

Une petite grande chose

"En photographie, la plus petite chose peut-être un grand sujet", disait-il. En parcourant l'exposition, on prend du bonheur à saisir tous ces détails captés qui changent notre regard. Sans emphase, sans ambage, Henri-Cartier Bresson nous offre de la vie. Elle nous saisit. Sans intellectualiser mais en mettant à portée de son Leica les êtres dans ce qu'ils ont de plus simples, de plus vrais, de plus humains, dans leur quotidien. Il a la grandeur de ceux qui savent rester humbles devant le monde. De Palerme à Sienne en passant par les bords du Rhin ou de la Marne, il se rend "disponible", dans l'instant, pour capter justement cet instant évanescent. Il sait être là, ne cherche pas à démontrer. Se tient pour observer, être la vigie de nos vies qui basculent si vite de l'ombre à la lumière, pour saisir aussi le regard des grands. Combien est-il étonnant de ressentir leur doute, leur désarroi, leurs peurs. A ressentir la mélancolie de Bonnard, l'infinie tristesse et la profonde solitude d'Irène et Frédéric Joliot-Curie, à voir la mise à distance étudiée d'Isabelle Huppert, on ne peut qu'être marqué par la luminosité du regard de Georges Braque. Une clairière dans un ciel* souvent noirci par la vie.  Il est frappant de mesurer cette angoissante emprise du temps sur ces regards d'adultes assoiffés de vie et de lumière et qui en semblent tant dépourvus. Comme si les épreuves assombrissaient ou vidaient de leur substance le regard de ces êtres "en lutte avec eux-mêmes et avec le temps"; comme si ce bonheur tant convoité surgissait uniquement de ces dixièmes de secondes prises au temps des enfants. De cette difficulté à exister jaillissent, en effet, d'extraordinaires instants de poésie captés dans la rue, là où les enfants existent et jamais ne posent. Alors, cette vie devient magie et s'impose avec légèreté, rire et volupté. Allez voir cette exposition. Elle est simple et belle comme le sourire de Henri Cartier-Bresson qui n'en finit pas de nous promener dans une réalité jamais fabriquée, juste saisie, avec la rapidité de ceux qui ont une patience infinie. 

Du 19 juin au 13 septembre 2009. Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris.
* Clairières dans le Ciel de Francis Jammes à feuilleter pendant l'été pour s'entendre lire : " Je la désire dans cette ombreuse lumière qui tombe avec midi sur la dormante treille,..."

Femmes d'Afrique

Les corps et les visages parlent d'eux-mêmes. Il faut dire que les tirages accrochés sur le noir des murs du Musée Dapper nous happent dès que l'on pénètre  dans l'espace consacré aux photos d'Angèle Etoundi Essamba. On entre immédiatement en correspondance avec eux. On resterait des heures à lire les visages, les formes... Il n'y a rien à intellectualiser, juste regarder ce qui est devant nous, ce que ces femmes nous renvoie. Cette grande photographe Camerounaise qui vit aux Pays-Bas nous offre beaucoup de beauté. Il y a ce ventre qui dit tout de la maternité, qui m'émeut. Les ventres de femmes enceintes ont cette grâce qui leur est propre, qui relèvent du miracle. Miracle de la vie. Mais cette vie si présente semble faire étrangement défaut dans l'exposition consacrée aux "Femmes dans les arts d'Afrique". De la naissance à ménopause, la femme est représentée selon la place qu'elle occupe dans la société et le pouvoir qui lui est conféré. Les pièces en provenance du Congo et de Côte d'Ivoire si exceptionnelles qu'elles puissent être ont créé chez moi un profond malaise. Aucune pour traduire un quelconque sentiment de joie, de peine, de révolte, de sérénité. Aucun sourire, aucune grimace : des visages figés. Une seule pièce m'a profondément touchée : un masque de ventre ndimu en provenance de Tanzanie. Un magnifique ventre de femme enceinte rehaussé de seins lourds qui ne sont pas me rappeler ces vers de Baudelaire : "Tu trouveras au bout de deux beaux seins bien lourds, Deux larges médailles de bronze, Et sous une ventre uni, Doux comme du velours, Bistré comma la peau d'un bronze...". Rien que pour ce ventre, il faut y aller mais aussi pour tous les statuettes et masques qui traduisent la place des femmes dans la société africaine selon qu'elles soient d'Afrique centrale, de l'Ouest ou de l'Est. Une place qui en dit long sur le poids des traditions et nous invite à méditer sur l'image et la place que l'on a bien voulu leur donner.

Femmes dans les arts d'Afrique & Alter et ego / Musée Dapper jusqu'au 12 juillet 2009.

Méditation poétique et philosophique

 

Leur art exige du silence. Du silence fait pour entrer en résonance avec leur travail ou plutôt leur cheminement. La voie qu'ils ont empruntée est ascèse, mue par le vide qui est ce grand ce tout par où l'homme s'élève. Car rien  n'est jamais arrêté, l'instant est enfantement d'une présence vibrante toujours en devenir, est partage avec le cosmos.  Lire François Cheng, c'est se laisser envahir par les mots, les sonorités, ne surtout pas intellectualiser mais être au plus près de ce qui est dit:" Toi qui sais/ Parle-nous de lilas / Ou de magnolias/ Nous qui retenons les noms/ Sans saisir la voie du don/De la sève qui glonfle en secret/chaque pétale/ Toi qui sais/ Apprends-nous à être/Pure couleur pure senteur/Rejoignant de cercle en cercle/ Toutes couleurs toutes senteurs/ dans l'abandon à la résonance/ Toi qui nous renvoies à notre nom". S' imprégner des tableaux de Fabienne Verdier, c'est s'inscrire dans le même mouvement et "se laisser aller - comme elle le dit si bien- comme le vol de l'hirondelle" . Son parcours rejoint en cela celui François Cheng: inscrit dans une culture chinoise dans laquelle elle ne s'est pas enfermée. Tous les deux y ont puisé la sève vivante par laquelle ils vivent pleinement leur modernité. Laissons-nous porter par les vibrations internes de leurs oeuvres respectives pour éviter trop de bavardages. Cela ne leur sied pas. Plutôt lire et regarder pour s'en éblouir l'âme.

Livre sacré et libéré

Un livre lacéré, coupé, hâché. Un livre qui se libére, se déploie, ploie, et se recrée à l'envi. Un livre est pure magie. Il l'est déjà avant même que notre regard se soit posé, avant même que notre main vienne le toucher, le soulever, et que nos doigts le feuillettent, que nous yeux se posent, vagabondent, retiennent...

Moi je le porte, l'emporte, l'annote, le prend et le reprend, le laisse en suspens, m'y noie, m'y broie, m'y délecte...happée, désorientée, caressée, apaisée... à chaque fois prête à recommencer.

Elle, elle le façonne à  la portée de son art sans cesse renouvelée. Des pages écrites pour faire danser les caractères les extraire sans tout à fait les défaire. Des phrases déconstruites qui vibrent par leur présence.

Elle c'est Georgia Russel, une jeune artiste écossaisse qui par la grâce de son scalpel  nous entraîne dans un monde onirique qui fascine, dérange, emporte et recrée l'émotion à l'état pur.

Exposition de quelques unes de ses oeuvres chez David Hicks 12 rue de Tournon 75007 Paris

Sans voix

Cela est arrivé. Je n’y pensais pas. Son livre était déjà une si belle rencontre. Intense, fulgurante. De celle que l’on ressent fortement. Comment pouvais-je d’ailleurs imaginer qu’il fut là puisque je ne le savais pas ?

Première journée à Ouessant. Rien que du bonheur à regarder le ciel et la mer, et la mer et le ciel…l’horizon à rêver, à s’en baigner, à s’en brûler les yeux.

Et puis ce livre à portée de regard : Yves-Marie Péron « Nous sortirons par l’horizon ».

C’est si beau. Ces reflets mouvants, grisés bleutés, ce noir fœtal qui aspire et retient.

Ces couleurs et ces mots étaient déjà à eux seuls un merveilleux cadeau. Je les emportai sur mon vélo.

Guillevic, le Clézio, Saint-John Perse réunis pour dire la transparence et le mouvement, l’essence même des choses qui transparaît dans les toiles de Yves-Marie Péron qui, de Montmartre à Brest, continue de peindre en toute poésie. Oui, tout est dit, tout se lit dans les traînées de peinture hachurées, étirées jusqu’à s’épurer.

Et moi, je reste sidérée, éblouie. Je tourne et tourne les pages, le cœur agrandi. Sa peinture, je la ressens. Elle est mienne et pourtant elle ne l’est pas. Comment pourrais-je avoir la prétention de le dire ? Et pourtant. C’est comme si je m’y retrouvais, comme si je peignais mon ressenti.

Sans voix pour expliquer ou du moins essayer de dire l’ineffable.

Dans les toiles présentées j’y trouve beaucoup de force et de douceur, une grandeur et une humilité propre à Ouessant. Une recherche permanente de l’intemporalité dans le mouvant, une forme de quête, une grande spiritualité.

Françoise l’épouse d’Yves-Marie a fait un travail remarquable. Cette monographie est un trésor d’équilibre entre l’écriture  et les œuvres présentées.

Cela est arrivé. Je n’y pensais pas. La maison d’Yves-Marie, celle qui m’a toujours fait rêvée, que j’ai si souvent regardée. Comment pouvais-je imaginer qu’un jour j’y serais entrée. Invitée à y entrer.

« Nous partirons, nous partirons seuls, Nous partirons seuls…Nous prendrons notre enfance, un peu d’eau et de pain et beaucoup d’espérance, nous sortirons pieds nus en silence, nous sortirons par l’horizon ». Félix Leclerc page 181.

Editions coop breizh ISBN 978-2-84346-331-0 / 49 euros

Se plaire à étonner

On le disait insaisissable et pourtant ses créations nous interpellent et nous entraînent à notre tour derrière le miroir. Brillant touche à tout, Jean Cocteau osait les mots, les formes, et les corps avec une grande liberté; il aimait la beauté et se plaisait à étonner; il côtoyait la mort avec l'élégance d'un ange tiraillé entre deux mondes. Comme Alexander Calder et Jean Arp, il fréquenta Dada et cultiva une grande modernité. Sur les recommandations de Radiguet et de Satie, il osa la plus grande audace qui soit : être simple . Jean Cocteau se fait donc ici le lien avec Jean Arp et Alexander Calder, deux autres grands artistes du 20ème siècle qui eurent foi en une fervente modernité.

Le silence sacré

J'aime le silence quand il fait écho. J'aime le laisser entrer en moi, me pénétrer, me parler. Un silence utile que je retrouve quotidiennement chez moi quand l'heure est à la connivence avec ce temps suspendu, élu. Trop de tumultes m'amenuisent. Cacophonie de bruits et des mots trop souvent vidés de leur sens...Dans "Jours effeuillés", Jean Arp dit: " Bientôt on parlera du silence comme d'une légende. L'homme s'est détourné du silence. Il invente chaque jour des machines et des appareils qui multiplient le bruit et éloigne l'homme de la vie essentielle, de la contemplation, de la méditation...Il se sent confiant en entendant klaxonner, hurler, crier, tonner, craquer, siffler, grincer, triller. Son inquiétude s'apaise. Son vide inhumain se déploie monstrueusement comme un chancre, comme une plante effrayante et grise". Un réalisme pessimiste qui semble bien éloigné de celui d'Alexander Calder. Et pourtant si l'un crie de manière radicale l'insupportable vacuité de la vie de l'homme moderne, l'autre trouve certainement le sujet trop grave pour l'aborder de manière frontale. Aussi, préfère-t-il faire oeuvre de fantaisie en jouant l'oiseleur. Mais ces deux-là ont beaucoup en commun, comme l'envie de s'affranchir des formes d'art traditionnelles qui les amènent à rejoindre le mouvement Dada avec Mondrian, Kupka, Hélion en 1931. Aujourd'hui, les ateliers de Clamart-Meudon offrent un cadre de verdure apaisant pour découvrir - loin des rumeurs de la ville - les oeuvres de cet artiste trop méconnu du grand public . Sculptures, collages et poésies en font un artiste complet qui s'éveillent aux oiseaux comme Calder les sculptent, avec magie : "Il fait nuit. Subitement dans la nuit je m'éveille. Les oiseaux chantent. Il fait jour. Des montagnes liquides flottent dans l'air. J'ouvre les yeux et m'endors debout sur la place blanche. L'ombelle des étoiles se couvre de lèvres". Jours effeuillés, poèmes, essais, souvenirs 1920-1965 Jean Arp/ Edition Gallimard nrf

Ces petits riens qui font tout !

Je connaissais ses mobiles et ses "stabiles". Je les aimais déjà. Je connaissais moins l'homme. Je m'y suis intéressée et éprouve désormais une vive sympathie pour ce colosse habité par le rêve et la fantaisie, et une vraie générosité à portée de doigts."Un type qui ressemble à un général et qui fait des jouets si étranges", comme le dit un certain Gostoso, jardinier à Rio de Janeiro qui n'en revenait certainement pas de voir ce géant fabriquer avec du fil de fer, de vieilles boîtes de conserve, des bouchons et des pinces à linge, un extraordinaire bestiaire et des jouets fort ingénieux. Cette joyeuse inventivité était, en effet, omniprésente dans son quotidien, avec Louisa sa femme, ses enfants, et avec tous ses amis et toutes les personnes qu'il cotôyait. Il manquait un grill, il tapissait illico une chaise de fil de fer, on lui demandait un porte-papier hygiénique, il en réalisait un en forme de main, avec du verre cassé il fabriquait une clochette de table... La  liste est longue et dénote cette formidable capacité à réinventer la vie avec des petits riens. De lui, je serais certainement tombée amoureuse ou sous le charme. Très tôt, il refusa d'étrenner les canons de l'académisme pour préférer donner à naître, ou plutôt à renaître aux plus humbles des objets et des matériaux. C'est ainsi que Joséphine Baker naquit d'un simple fil de fer, l'âne de bois, de fer et de clous, la cage aux oiseaux de simples boîtes de conserve...!! De l'or naissait sous ses doigts, et d'ailleurs, il sut aussi le travailler pour créer des très nombreux bijoux tous de volutes et de spirales que portèrent Peggy Guggenheim, la femme de Marcel Duchamp et d'Alvar Aalto...et aussi Jeanne Moreau. Sa générosité fut quant à elle aussi grande que sa créativité, et son goût des autres une vraie force. C'est donc autant à l'homme qu'à l'artiste qui trouvait qu' "un mobile était un morceau de poésie qui danse avec la joie de vivre et surprend" que je vous invite à découvrir ou redécouvrir Alexander Calder. A lire: Calder Intime - A La Bibliothèque des Arts de Paris / Calder - Hors série Connaissance des arts  et www.calder.org

Hélène Schjerfbeck et le primitif de l'âme

Un regard dont on ne se sépare pas, un regard qui vous happe dans le metro et que l'on a du mal à quitter. Un regard définitivement en vous. Et un nom sur l'affiche: Helene Schjerfbeck, saisi au vol en passant, en absorbant l'affiche.

Une exposition* sans queue, sans attente mais dans l'attente d'un je ne sais quoi qui vous prend au coeur, aux tripes, de ce quelque chose qui vient et que l'on pressent.

Premier tableau: un frère et une soeur. Je m'arrête...un peu, beaucoup, longtemps. C'est beau. Très beau. C'est même plus. La technique est dépassée...Je suis juste époustouflée. C'est inoui.  Quelle chance d'être là. A chaque tableau mon émerveillement , mon questionnement. Une seule artiste intègrerait-elle donc à elle seule tous les grands courants artistiques ? En avançant dans l'exposition, on entre dans sa vie , dans ses oeuvres avec amour, partage, retenu, on avance comme en prière. Tout est dit de la vie. Et pourtant dans cette réalité si bien exprimée reste la difficulté d'expliquer."Tout le monde juge difficile de comprendre la réalité qui me concerne et il m'est impossible de laisser aucun catalogue de ma réalité derrière moi", dit Hélène Schjerfbeck. A trop vouloir expliquer, la vie se vide de sa réalité. Laissons à la peinture de cette peintre finlandaise et souffrante, le soin de dire et de raconter sa réalité, celle qu'elle vit et qui se passe de commentaires car "n'est-ce pas qu'en fin de compte, tout est vie intérieure?" *Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris.

Les trésors de son esprit.

Quand Serge Merlin a dit "Paul jetait continuellement par la fenêtre les trésors de son esprit  comme sa fortune, mais alors que sa fortune a été très vite et définitivement jetée par le fenêtre et totalement épuisée, les trésors de son esprit étaient véritablement inépuisables..."je me suis tout de suite dit :" Ca, c'est un sacré texte. Comment n'ai-je pas encore lu Le neveu de Wittgenstein de Thomas Berhnard ? Ce texte est profond, drôle et bouleversant comme l'est Serge Merlin. Seul sur scène, il tient la scène à lui tout seul.Grandiose dans un dénuement scénique volontaire. D'ailleurs très souvent ce qui retient part de rien ...ou du moins ne joue pas l'ostensible. C'est comme avec cette pâte à modeler qui fait parler d'elle depuis quelques années. En 1989, je suis allée voir " Une grande excursion" , "Un mauvais pantalon" et "Rasé de près" dans l'un de seuls cinémas qui projetait ces courts métrages et suis immédiatement devenue accroc de  Wallace et Gromit.  Face aux Empires de l'animation 3D, Nick Park a eu la folie de sortir des studios Aardman des personnages en pâte à modeler absolument déjantés et attachants nés des trésors de son seul esprit !! Et aujourd'hui, il continue sa route mais garde encore l'esprit éveillé et emerveillé d'un grand enfant. Moi, je me régale toujours en revoyant ses premiers court-métrages et en me plongeant avec un délice non feint dans le poulailler de Chicken run ou le château de Lady Tottington du Mystère du Lapin Garou. J'adore cette délicieuse aristo au cheveux aussi roux et mousseux que la Georges Killians, si romantique, si sweet et qui n'a pas son pareil pour succomber à l'attachant Wallace. Lady Campanula, servez moi an other cup of tea, vous qui avez tant d'esprit !

Harmonie cacophonique

C'est fou, oui ce mot est spontanément et délibérément sorti de moi, et je l'écris car il représente  assez bien cette folie qui nous nous permet d'oser, d'entrevoir d'autres possibles mais aussi de marquer notre étonnement. En effet, fou de se dire que l'on est obligé de citer Gilles Deleuze pour exprimer qu"Autrui est l'expression d'un monde possible". Une si belle évidence ne semble, en effet, pas l'être pour tout le monde à l'heure où La Cité Nationale de L'immigration vient d'ouvrir . Je salue donc le journaliste qui a cité Gilles Deleuze, et je salue simultanément l'ouverture de cette Cité même si je ne me suis pas encore rendue porte Dorée, car je trouve que l'on ne répètera jamais assez que l'on l'est tous le fruit d'un savant métissage. Moi même le suis, de par mes origines bretonnes et irlandaises....et les enfants de mes enfants feront à leur tour bouillir la marmite multiculturelle à leur sauce colorielle. Se replier sur sa couleur ne signerait-il alors pas le repli de notre propre peur? Notre folie ne serait-elle pas de vouloir tout mélanger, et de prétendre nous protéger en oubliant simplement que l'Autre est nous? Jean-Claude Galotta dans son Cher Ulysse* exprime merveilleusement bien que tout est dans l'art d'assembler les gestes, de laisser à chacun le temps de faire acte de créativité pour oeuvrer vers l'harmonie car de la diversité naît la plus belle des unités. Cette très belle chorégraphie est là pour nous le rappeler.* Théâtre de Chaillot.

Sur le vide du blanc...

Sur le vide du blanc...", cette phrase n'est pas de moi, elle est de Jean-Pierre Siméon, poète et directeur artistique du Printemps des poètes. Relire "Sur le vide du blanc" et sentir qu'il se passe quelque chose, que justement ce vide et ce blanc se côtoient à merveille pour nous transmettre l'âme éclairante de Chan Ky-Yut qui expose en ce moment quelques-unes de ses oeuvres au Musée Cernuschi. Je ne savais rien de ce grand peintre sino-canadien. J'étais vierge de toute critique, de toute lecture. J'ai avancé dans le silence du Musée, me suis laissée portér par les encres ...me suis assise pour encore mieux regarder, mais surtout pas pour ne pas mieux comprendre. L'essentiel est d'absorber comme le papier la poésie, le mouvement, les délavés, les blancs...et de rester regarder, regarder pour entrer en spiritualité. "Il faut court-circuiter les représentations de la poésie" a dit J.P Siméon. Ici, il faut court-circuiter les idées toutes faites que nous avons sur la tradition picturale chinoise et les courants picturaux contemporains. Il faut plus que jamais lâcher prise pour sentir l'énergie qui sourd, imaginer le geste. Alors, vient tout le reste, ce que j'ai absorbé, comme le papier, d'inattendu, de "on ne peut plus vécu". Et maintenant, je reprends ces notes griffonnées à l'orée d'un tableau: "Sur le vide du blanc qui ici miraculeusement n'est plus le rien mais quelque chose comme la densité du possible, une profondeur appelante, naît ce que par paresse ou ignorance, nous nommons le chaos et qui n'est que la liberté régnante du primordial", notes qui reprennent textuellement les mots de JP Siméon . Une invitation à découvrir ce peintre dans ce musée où la quiétude fait oublier l'agitation marketée des grandes expositions de la rentrée.

A chacun son Poliakoff

Poliakoff, le peintre ou l'agence ? C'est selon. Pour moi, c'est le peintre, Serge Poliakoff dont je viens voir la première rétrospective organisée depuis la disparition de l'artiste, à Béziers, à l'Espace Riquet. Pour Benoît, mon jeune ado-comico-érudit, c'est bien évidemment de l'agence Poliakoff dont il s'agit. Comment vous ne la connaissez pas? La célèbre agence de "Certains l'aiment chaud" -de Billy Wilder- à laquelle sont affiliés Jack Lemmon et Tony Curtis, musiciens en cavale transformés en délicieuses Daphné et Joséphine. Ce sera donc l'un et l'autre en fonction de son humeur. En tous les cas sachez que l'un et l'autre sont à regarder, et que c'est du bonheur assuré. D'un côté, les compositions abstraites qui raisonnent amplement du silence du lieu dans lequel elles sont accrochées; de l'autre, deux musiciennes follement jazzy qui nous emplissent de leur babil désopilant. A voir et revoir - en toute urgence pour Serge Poliakoff car l'exposition dure jusqu'au 30 septembre !

Faites pas la...

Les toutous, je les adore. Alors, regardez comme moi les photos de Maarten Wetsema, jeune photographe néerlendais. C'est du bonheur brut de velours,de cuir, de satin ....comme les tissus sur lesquels posent et se reposent nos amis canins, je dirais même humains. Car question anthropomorphisme, on n'est pas loin ou plutôt, on est tout à fait dans la plaque. Ce que j'aime ce sont ces douces correspondances, ces évidences: à chaque toutou son fauteuil ! Du 101 Dalmatiens revisité, peut être, certainement un peu, mais franchement ça a de la gueule ! Sous l'apparente simplicité, l'oeil du photographe opère et nous livre de sacrés beaux clichés. Et si nos amis les chiens font la gueule c'est que nous savons aussi la faire. Mais ça c'est notre affaire!  Amusez-vous plutôt à jeter un oeil sur le fauteuil de votre collège ou de votre voisin ...ça vous rappellera que "toutou n'est pas loin" et... qu'avoir du chien, ce n'est vraiment pas rien !

Délires d'omme !!!

Bon, il est grand temps que je vous le dise et redise: courez voir "De l'omme" de Jacques Rebotier au Théâtre Chaillot. Oui, il est certainement plus que temps que vous alliez prendre un bain de poésie déjantée. A la manière d'un Léo Ferré mais en plus éberluée et enjouée, Jacques Rebotier nous livre de purs morceaux d'humour et d'intelligence sur la connerie humaine. Elle en devient même - cette connerie- hyper jouissive tant sont brillants les acteurs, et tant le verbe est haut. Super Père Noël règne sur la vacuité d'une économie de marché ultra marketée ...et nous, on reste de baba devant tout ce déballage grotesque si proche de la réalité. Allez, allez... courez applaudir ce conte philosophique mené tabour battant, et les performances scéniques et artistiques de tous les acteurs. Plus qu'un coup de coeur, du pur bonheur ! Après mon erreur de casting théâtral de dimanche dernier au Théâtre du Rond-Point, je prends plus que jamais la mesure de ce petit bijou qui va exceptionnellement retrouver son "H" pour prendre encore plus de hauteur. Et parce que j'avais prévu que mon blog servirait aussi mes coups de gueule, sachez que le premier gros coup de ....sera pour "Comment dire...", un spectacle musical et poétique dont Isabelle Carré est l'étrange leurre.  Pour le dire simplement: le puzzle était plus que mal assemblé puisque ni  Isabelle Carré -que j'aime-, ni les textes de Christian Bobin - que je connais presque par coeur et que j'adore! - ni la musique, n'ont réussi à donner une vraie matière à ce spectacle qui me faisait penser à une fête de patronage bidouillée à la dernière minute. Une véritable imposture ! N'y allez pas et préférez qui, que, quoi ???? De l'omme, j'ai dit !!!Où ?  A Chaillot !

Terres de lumière

Parler de quelqu'un que l'on aime, de son talent, de sa sensiblité à fleur de peau...à fleur d'eau.
Là-bas, à Vannes, sur les quais, il n'en finit pas d'offrir sa grâce de funambule à qui sait pousser la porte de sa Galerie.
Lui, c'est Matthieu Bobin, humble pour dire avec ses encres la luminosité d'un ciel balayé par le vent d'Ouest, l'humanité de toutes ces femmes et de tous ces hommes qui sortent tout droit d'une terre Fellinienne ou "Kusturicienne"...Avec la légèreté d'un oiseau, il avance avec l'assurance de ceux qui n'en ont pas assez, préfére l'évidence à l'outrecuidance...
Nous travaillons depuis quelques mois sur un projet d'édition. Je vous en reparlerai car pour le moment laissons toute la place à l'exposition qui se déroule à Vannes sur le vieux port.
L'exposition "Noir&Blanc" mêlent les travaux de Matthieu et du Photograhe Rainer Pawellek . Comme une mise en écho de leurs travaux: la lumière, celle qui fait que jamais rien n'est plus pareil lorsqu'on l'a captée. Une lumière qu'il vous appartient d' emporter comme unique viatique.

Le lapin d'Alice

Et si je passais à travers le miroir, là, maintenant, tout de suite ! Qui n'a pas rêvé de devenir Alice et de suivre le lapin blanc. Moi, le mien, n'est pas blanc mais rose, et Suisse de surcroît ! C'est, en effet, dans le cadre du Festival du film d'animation et de fiction de Genève qui aura lieu entre le 28 octobre et le 5 novembre 2006 que mon gros lapin s'affiche. Ce lapin m'a tout de suite magnétisé, et depuis il trône non loin de mon clavier et ponctue mon temps avec ses longues dents. Et c'est ainsi, que de lapin en e-mail, j'ai fait la connaissance d'Adrienne Barman qui m'a tout de suite entraînée dans son arche de Noé. Des animaux bourrés de fortes personnalités que j'ai tout de suite adoptés. Travaux à quatre mains programmés. A bientôt avec nos drôles de fabliaux!

Délicieuse soupe aux miettes !

Pour ce soir, j'hésite entre la soupe aux cailloux et le lapin à l'aigre-doudoux. En fait, je vais me contenter de la soupe aux miettes ! Puis, je reviendrai flâner entre les tomates et les oignons , cliquer sur les gros couteaux...et Kathy et Antonin. Ce site est une gourmandise à lui tout seul. Inventif et créatif, il nous ouvre l'appétit artistique. Nul besoin d'être un petit nain pour aller surfer sur ce site. Antonin Louchard n'a rien à envier à la cuisine moléculaire de Thierry Marx, la sienne est 100% poétique et peut se targuer de nous envoyer directement sur une planète enchantée. Mais ces deux magiciens choisissent chacun à leur manière de fixer sur notre rétine et notre palais, de merveilleuses couleurs et d'inoubliables saveurs.

Gai, gai sabot !

Pour tous ceux qui n'ont pas encore eu l'occasion d'aller se rafraîchir les idées sur la Pointe du raz, je vous recommande d'aller faire un petit tour à Audierne dans une art gallery "trendy juste comme il faut" pour découvrir les oeuvres de Patrice Huguier, Cécile Barré,Charlette Madézo... Dans cette ancienne maison de sabotier entre huiles et bois flotté, on se laisse aller à vibrer entre figuratif et abstrait...Courez vite, j'ai adoré et vous allez adorer! En attendant, promenez-vous sur le site du gai sabot et donnez-vous une raison supplémentaire d'aller faire un petit tour dans le Finistère.